原标题：宫崎骏怒斥AI侮辱动画，行业：真香，提效5倍

作者：格文

来源：短剧自习室

题图来源 | pexels

宫崎骏“AI 是对生命的侮辱”的批判还言犹在耳，但全球动画行业或为了创新，或为了求生，不得不踏上 AI 化的路程。

此前，AI 原生动画长片《三星堆：未来往事》正式拿到“龙标”，成为史上首部获批在院线上映的 AI 动画电影。其超过 30% 的画面由 AI 生成，从分镜、背景到部分原画，人工智能深度参与其中。

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从 AI 短片、AI 漫剧，到真正意义上的 AI 动画电影拿到龙标，这释放出越来越清晰的信号：行业关注的焦点，正从技术验证转向实验落地。

我们的观察始于更早。

《哪吒》系列电影背后的可可豆动画，已挂出月薪 2 万的 AI 应用工程师岗位；制作、出品《熊出没》的方特动漫，计划年内推出全 AI 制作的院线电影；老牌动画公司如玄机科技率先押注 AI+3D，上影元也加速布局 AI+IP。

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视线拉远，日本东映动画已系统性将 AI 融入制作流程，索尼旗下动画公司的 AI 触角深入上色与字幕环节；美国迪士尼则试图通过资本运作激活 AI 与 IP 的深度绑定。

当 AI 开始深度介入动画行业，我们试图追问：

全球不同路径背后的逻辑是什么？龙标之后，AI 动画还要闯过哪些关？

全球动画公司，正在形成三种 AI 路线

AI 的介入，让全球动画公司出现明显分流。

在中国，AI 已经开始被系统性嵌入动画工业流程，步上了“生产工业化”路线。以《秦时明月》《斗罗大陆》等国漫闻名的玄机科技，则很早就将 AI 用于 3D CG 动画流程，在 AI 群集、毛发渲染、虚拟演员、虚拟片场等方向持续探索。手握《熊出没》IP 的方特动漫也不遑多让，其内部已搭建 AIGC 平台，将 AI 应用于概念设计、角色设计、模型搭建等多个环节，并公开提到正在推进全 AI 动画电影。

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另一批公司，则正在走向“AI+IP”。

坐拥《大闹天宫》《黑猫警长》等经典 IP，以及《中国奇谭》《浪浪山小妖怪》等新晋 IP 的上影元，则试图让经典 IP“重生”。其母公司上影集团已成立 AIGC 中心，并发布 AI 短剧片单，系统性探索用 AI 改编经典动画短剧。

而《喜羊羊与灰太狼》《巴啦啦小魔仙》等国民 IP 的制作方奥飞娱乐，更进一步把喜羊羊从动画角色变成 AI 陪伴产品，押注线下的 AI 潮玩行业。

打造《猪猪侠》的咏声动漫，则成立了“AIGC 动画研究院”，更强调 AI 与青年创作者生态结合。

《浪浪山小妖怪》剧照

这些公司真正看重的，其实已经不只是“做动画”本身。AI 正在把 IP 从内容资产，进一步变成互动资产、陪伴资产和可持续运营资产。

与此同时，也有公司保持明显克制。

因动画电影《哪吒》系列声名鹊起的可可豆动画，也是导演饺子的公司，虽然已经成立 AI 组，并开始招聘 AI 应用工程师，但核心态度依旧偏谨慎，更强调 AI 辅助而非替代。

《哪吒》系列和《大鱼海棠》背后的出品方光线传媒，今年也再次强调：AI 只是先进生产工具，无法替代人的审美、决策与内容标准，目前主要用于角色设计、场景演示等前期流程。

《雄狮少年》制作方易动文化同样明确，AI 不会进入核心创意流程，只会在创意确定后参与修图、风格拓展等执行工作。

这一派公司的共同逻辑是：AI 可以做体力活，但电影级动画最核心的东西，仍然来自人。

而放到海外，这种分化会更加明显。

打造《海贼王》《灌篮高手》等全球知名 IP 的东映动画，已经将 AI 系统性引入故事板、中间帧、线稿修正、背景生成等流程，自研工具甚至将背景制作时间压缩至原来的六分之一。

Studio Pierrot（小丑社）也在尝试 AI 背景生成与纹理辅助制作。索尼旗下 Crunchyroll 则正在测试 AI 字幕与机器学习辅助制作。

导演新海诚对 AI 的态度总体上是积极拥抱、将其视为高效工具的，但他也非常清醒地认识到人类创作者核心价值的不可替代性。

但像吉卜力工作室、京阿尼这种以作者性见长的工作室，却公开反对 AI 创作。宫崎骏那句“这是对生命本身的侮辱”，至今仍是 AI 动画争议里最经典的一句话。

网友自制 AI 真人版《灌篮高手》短片受到广泛欢迎（图文无关）

美国则是另一种逻辑。美国动画工会（The Animation Guild, TAG）的一项调研结果（2025 年）显示，约 78% 的动画相关企业计划在未来三年内引入 GenAI 技术，其中 51% 用于 3D 动画制作，41% 用于 2D 动画创作，25% 计划将 AI 引入剧本开发流程。

迪士尼与皮克斯更关心 AI 对未来 IP 生态与平台体系的重构，他们并不急于“全 AI 动画”，而是在争夺下一代内容平台入口。

此前迪士尼与 OpenAI 围绕 Sora 展开的合作，本质上就不是“AI 帮迪士尼做动画”，而是试图把迪士尼 IP 变成 AI 时代的底层内容素材库。

为什么全球动画行业，会形成完全不同的 AI 态度？

不同国家对 AI 的态度差异，本质上来自产业结构、内容文化与商业模式的差异。

过去几年，国产动画电影虽然不断刷新票房纪录，但行业整体仍然面临工业化不足、产能不稳定、投资回报周期长的问题。

根据行业统计，2024 年以来动画行业投资明显缩水，真正还能持续获得资本关注的公司，很多都已经与 AIGC 产生关联。

AI 的出现，让动画人看到跳出恶性循环的曙光：它有望补上工业化短板，通过自动中割、智能渲染解放生产力；更关键的是，能降低试错成本，让创作者从重复劳动中抽身，回归创意本身，去探索更独特的个人表达与风格。

《雄狮少年》制作方易动文化曾表示，公司利用 AIGC 后，制作效率提升了 3 到 5 倍，成本压缩到同行的四分之一左右。十月文化也曾提到，自研系统能实现接近 10 倍的提效。

与此同时，中国大模型迭代速度极快。从视频生成到角色一致性，再到镜头控制，可灵、即梦等工具正在快速降低动画制作门槛，从技术层面已经不构成现实的阻碍，动画公司入局 AI 也是水到渠成。

而日本的问题，则更多是人才短缺造成的被动引入。日本拥有全球最成熟的漫画产业与作者体系，动画首先被视为作品，其次才是商品。

然而，在坚持“手搓才有灵魂”的日本动画行业，约 30% 的动画师却过着朝不保夕的生活，日本综合研究所估计，2024 年日本动画师的数量将仅剩约 6000 名，高要求和人才极度紧缺构成一对现实的张力。

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因此，日本动画行业引入 AI 来缓解劳动劳动紧缺现状是无奈之举，不过，AI 当前还仅仅只能介入劳动密集型环节，始终没有被引进真正的创作核心。

比如，AI 能参与的大多是中间帧、自动上色、背景生成、字幕制作，而角色设计、色彩设计、作画监督、配音演出，依然牢牢掌握在人手中。

美国则更偏“平台逻辑”。迪士尼、Netflix 等公司真正关注的，并不是“AI 替代动画师”，而是 AI 会不会重构未来的内容分发、IP 授权与用户互动方式。

此前迪士尼与 OpenAI 围绕 Sora 达成合作，本质上就是一次“AI+IP 平台化”的尝试。但后来，OpenAI 因 Sora 运营成本过高、商业模式不清晰，主动关闭独立应用，并终止相关合作。

这件事本身，其实并不意味着“动画公司牵手 AI 失败”。更准确地说，这是 OpenAI 的一次战略收缩，而非迪士尼放弃 AI。目前迪士尼迅速转向了更务实的内部 AI 体系建设，将重点放回广告制作、内部工具与内容流程优化。

加上美国对于版权保护更加敏感，在 AI 视觉应用层面的步伐走的也相对谨慎。

AI 动画真正的瓶颈，不在技术

实际上，AI 动画最早被诟病的几个问题——线条抖动、人物一致性、镜头连贯性——这两年已经在快速改善。尤其在 AI 漫剧领域，角色稳定性、运镜连续性、转场控制等问题，已经没有过去那么致命。

现在 AI 真正难解决的问题在于：有没有独特的作品气质。

动画观众，本身就是审美要求很高的一批用户。很多核心二次元观众，是看着日漫、院线动画长大的，他们对风格、镜头语言、情绪表达有极强辨识能力。

过去十年，《你的名字。》《哪吒》系列电影、《罗小黑战记》《浪浪山小妖怪》等作品不断抬高行业审美，也进一步养刁了观众胃口。

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而 AI 生成内容天然更偏标品逻辑。它擅长的是平均值、通用解，以及对标已有风格的高效组合，产出的内容也只是合格线上，但动画真正打动人的，往往恰恰是那些不标准、另辟蹊径的个人表达。

而且这种及格线水平或许能在行业早期吃一波信息差红利，一旦红利消退，这种团队也是最先被拍死在沙滩上的那群人。

为什么市面上很多 AI 漫剧总给人一种不明觉厉但过目就忘的感觉？因为它能模仿质感，却很难真正形成作者气质。这也能解释，为何当下 AI 漫剧的核心受众，与传统动漫核心用户其实并不完全重叠。

很多深度二次元观众，并不只是看剧情，而是在消费一种明确的作者风格、镜头语言与情绪表达。而 AI 内容目前更强调高速生成、批量生产与风格复用，这与动画行业长期强调“手搓感”“作者性”的传统，本身就存在某种错位。

而且在 B 站这样的社区里，不乏被观众吐槽“年更型”的工作室，而且这些群体已经对国漫建立起足够的耐心，为了好内容愿意等待，一旦续作上线他们会热烈涌入，迅速转化为“死忠粉”。这样的粘性和互动关系，是流水线漫剧不能望其项背的。

更复杂的问题，则来自创作本身。

现在的大模型，本质上建立在海量已有素材训练之上。对于很多已经有成熟风格的动画团队来说，再反过来使用 AI 某种程度上甚至会出现一种微妙的“自己抄自己”窘境。

这其实也是很多创作者对 AI 最深层的不安之一。AI 确实能提高效率，但它的生成逻辑，很大程度上依赖于对既有内容的重组与拟合。

这意味着，行业越依赖同一批模型与数据，内容就越容易趋向同质化，真正的新风格、新表达反而可能变少。

这背后其实都在指向同一个问题：AI 到底是在“学习”，还是在“复制”？AI 动画真正的矛盾，从来不只是技术问题。

它真正触碰的，是动画行业最核心的东西：什么叫原创？什么叫风格？什么又叫创作者本身？

结语

宫崎骏的批判与坚守，至今仍是悬在动画人头上的警钟。

但一代人有一代人的课题——公司和行业必须先有生存的根基，才谈得上创造性与作者性的生长。况且，AI 与创造从来不是天然对立的两面。

我们或许应该对优秀的创作者抱持信心。画笔，是把创造力具象化的工具；电子手绘板也是；AI，又何尝不是？

纵观人类创作史，本就是一部借由工具不断延伸想象边界的历史。每一次工具的革新，最初总伴随着“是否会取代人”的惶恐。

但回头看去，摄影没有杀死绘画，反而让绘画从记录现实的束缚中挣脱，走向了印象派、抽象派的灵魂表达；数字绘画没有消灭手绘的温度，反而让更多不会调颜料的人，第一次触摸到了创作的心跳。

AI 可以穷尽所有的“平均值”，但永远无法计算出“偏差”。正如陈丹青所说：“规范永远在期待天才的偏离。”

所有现在被我们视为经典的风格，在其诞生之初，几乎都是一种对当时“规范”的“偏离”，这才成就了艺术史上无数个真正动人的时刻。

AI 正在改变动画工业是现实，但距离改变动画这门艺术，或许还有一段距离。

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